当人们仰望世界文化的群星灿烂的美好夜空，会看见那些才华盖世的绘画巨匠和他们影响深远的画作。在过去数十年间，已有不少出自艺术大师的画作拍出了天价，今天的城市文化就为你介绍，世界十大天价画作。
毕加索《拿烟斗的男孩》：1.0416亿美元
《拿烟斗的男孩》是现代艺术的创始人巴勃罗·鲁伊斯·毕加索的代表性作品，布面油画，创作于1905年，尺寸100×81cm。这幅画在巴黎几经转手，最后被德国的犹太富商格奥尔格先生收藏。
《拿烟斗的男孩》创作于1905年，是毕加索“玫瑰色时期”的代表作之一。时年毕加索24岁，刚刚在法国巴黎附近的蒙马特尔定居不久。画中年轻的巴黎男孩被毕加索称为“小路易”，他常到毕加索的画室消磨时光，毕加索以他为模特创作了这幅《拿烟斗的男孩》。
画中的“小路易”穿着蓝色的工作服，左手拿着烟斗，头戴花环，背景是两大束花，看上去颇有几分中国画的味道。“小路易”头上戴着个花环，专家们认为这是画作将完成时，毕加索临时决定加上去的，不过看起来也挺和谐增色。
《拿烟斗的男孩》被评论家誉为：具有达芬奇《蒙娜丽莎》似的神秘，梵高《加歇医生》似的忧郁的唯美之作。随着毕加索声名鹊起，这幅画在巴黎几经转手，最后在伦敦举行的苏富比拍卖会上以1.0416亿美元的天价被德国的犹太富商格奥尔格先生收藏，这个价位创造了世界名画拍卖史的最高纪录。
索斯比拍卖行高级副总裁大卫·诺曼对这幅画评价很高，认为它无论就作品重要性还是完好程度而言都属少见，可以说是目前私人收藏中最好的作品。诺曼说：“作品有着诗一般的意境，又是那样夺人心魄，所有人都被它深深吸引。”
梵高《加歇医生的肖像》：8250万美元
《加歇医生的肖像》（Portrait of Dr.Gachet）是荷兰后期印象派画家梵高最受推崇的一幅画。这幅画绘于1890年，当时梵高已住进精神病院接受保罗·加谢（Paul Gachet）医师的治疗。1990年5月15日，此画以8250万美金创下有史以来艺术品拍卖最高价格，并将这个记录保持到了2004年。
加歇医生生于1828年，死于1909年，是一位精神科医生。梵高离开圣—雷米后，移居巴黎以北的小镇奥弗，由加歇医生监护。加歇医生既是画家毕沙罗和塞尚的朋友，本人还是一位热衷绘画的业余艺术家，因此可谓是病人的理想伙伴。
加歇医生相信，工作能够平抚梵高剧烈的情绪波动，因此千方百计地鼓励画家绘画，而梵高为他画像的决定，则进一步加深了他们日益增进的友谊。这幅肖像画于1890年6月，画作描绘了加歇医生和一株毛地黄。毛地黄在当时用于提取强心剂以治疗心脏病，因此毛地黄被视为加谢作为一名医生的象征。
在这幅作品中，人物姿态安详，沿对角线呈倾斜姿势，从画布左上角至右下角贯穿整个画面，削瘦的身体用肘臂支撑着，以保持完全平衡。但是，透过笔触、构图以及人物四周的空间，画家紧张而悲哀的心情一目了然。它预示画家即将感受到更加深重的痛苦。图中左下方的红桌在深蓝色为主的画面中显得相当突兀。加歇医生忧郁的深思表情，与画中的蓝色调相呼应。
梵高在自杀前一个月为精心照顾他的加歇医生画了这幅肖像。他自己说：“我希望画一位艺术家友人的肖像，他满怀伟大的理想。我希望把我对这个人的感觉和爱慕之心画进作品里。我夸张了他的头发的金黄色，在头像后面我不画小屋的普通墙壁，而用我调配得极为丰富、极为强烈的蓝色涂出无限深远的背景。由于这种单纯的配合，使金黄色头发的头部，在这丰富的蓝色背景上发光，像星星嵌在深沉的碧空中。”
鲁本斯《殴打婴儿》：7350万
佛兰德斯（欧洲历史地名）画家鲁本斯的油画《殴打婴儿》2002年易主，购买者竟不惜出资7350万欧元。《殴打婴儿》是一幅布面油画，302cm×199cm，现为私人收藏。
这幅《殴打婴儿》被广泛认为可以看作研究鲁本斯在1600年至1608年在意大利生活期间艺术创作的一个学术范本。作为当时鲁本斯像卡拉瓦乔等意大利画家一样，属于意大利巴洛克风格的画家的第一手资料，从中可以看出影响画家的运用戏剧和感情的活力描绘的场景，以及通过丰富的色彩把主题引入这幅画中，同时也是画家使用明暗对比法的证据。
鲁本斯出生于德国的茨根小城，后随父母移居佛兰德斯，定居安特卫普。鲁本斯一生为人类艺术宝库贡献了三千余幅艺术珍品。法国美术史家丹纳说：“佛兰德斯只有一个鲁本斯，正如英国只有一个莎士比亚，其余的画家无论如何伟大，总缺少一部分天才。”
作为17世纪巴洛克艺术的最杰出代表，鲁本斯擅长绘制宗教、神话、历史、风俗、肖像以及风景画。鲁宾斯一生的创作中，主要是宗教神话题材，他从威尼斯大师们那里获得色彩造型的启迪，他注重运用旋转的运动感的结构来表现激动人心的场面，善于运用对比的色调，强烈的明暗和流动的线条来加强这种画面的运动感，这种巴洛克式的艺术风格主宰着他几乎一生的创作活动。
鲁本斯的作品有着丰富的想象力，表达出了对生活的热爱以及美好的理想，通过艺术形象肯定人的力量和人生的欢乐，他善于运用健康丰满、生机勃勃的形象，洋溢着乐观与热情的性格，去表现自己的审美理想与趣味。
鲁本斯的绘画作品对佛兰德斯以及整个西方绘画的发展具有重大意义，18—19世纪大部分法国画家都在不同程度上受到过他的影响。
雷诺阿《红磨坊的舞会》：7810万美元
《红磨坊的舞会》又名《煎饼磨坊的舞会》，是法国画家奥古斯特·雷诺阿所创作的一幅油画，这幅作品描绘出众多的人物，给人拥挤的感觉，人头攒动，色斑跳跃，热闹非凡，给人以愉快欢乐的强烈印象。
这幅《红磨坊的舞会》创作于1876年。由于画面淋漓尽致地描绘了红磨坊的欢乐引人，又突出了走红的舞星，因此店主非常欣赏这幅作品，立刻把它购买下来，挂在红磨坊大门的通道上以招徕顾客。
这幅作品描绘出众多的人物，给人拥挤的感觉，人头攒动，色斑跳跃，热闹非凡，给人以愉快欢乐的强烈印象。画面用蓝紫为主色调，使人物由近及远，产生一种多层次的节奏感。
画家把主要精力放在对近景一组人物的描绘上，生动地表现出人物脸上的光色效果及光影造成的迷离感，渲染了舞会的气氛。画面中还保留着印象派对外光与色斑的处理手法，使画面的总体色调、气氛有一种颤动、闪烁的强烈效果。
雷诺阿在《红磨坊的舞会》一画中，通过对光与色的描绘真正实践了“光是绘画的主人”这一句印象主义者的口号，也使这幅画成为印象主义绘画在风俗方面的重要代表作。
作品表面上看是描写巴黎一着名的露天咖啡馆兼舞场热闹和欢快的气氛，实际上真正的主题是透过树叶间隙照射下来的阳光。这阳光照射在人们的身上，引起了丰富的光色变化，充分表现了印象主义画家对现实生活的光与色变化的高度敏感。
奥古斯特·雷诺阿是出生在法国巴黎的经典印象派画家。一生致力于表现女性的人体魅力，被人看作是印象派中女性青春美的歌手。雷诺阿对鲁本斯及法国18世纪绘画有较深的研究。在创作上能把传统画法与印象主义方法相结合，以鲜丽透明的色彩表现阳光与空气的颤动和明朗的气氛，独具风格。
梵高《没胡子的自画像》：7150万美元
《没胡子的自画像》是凡高的最后一幅自画像，画于1889年，这一年他的母亲70岁。虽然早年因为一些矛盾引起母子关系紧张，平时不常联系，但在母亲生日那天，为了让母亲对自己的健康放心，凡高决定送一张自画像给她。
凡高把自己画得比现实中要显得健康、年轻、整洁许多，然而这些都无法掩饰他眼底的绝望和孤独。最后凡高给了母亲一张画着阿尔卧室的画，而把这张挂在了自己的墙上。
从《没有胡子的自画像》可以看到，梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。
自画像是梵高绘画艺术中的一大特色，在西欧绘画史上自画像数量较多的画家有好几位，但画得最多名气最大的，一是伦勃朗，另一位就是梵高。梵高一生很少拍照，目前我们只能看到三张他的清晰相片，而且都是21岁之前的。然而在1885到1889四年间，他却一口气给自己画了四十多张自画像。
梵高认为自己是一个最好的肖像画家，他曾经说过：“最能使我激动的，远远胜过我所擅长的其他事物的，是肖像画，现代肖像画。我从色彩去探索它，当然我不是唯一从这方面去探索它的人……我想，作画对于一百年后的人而言，看来就像幽灵的肖像，我并不想以照片般的惟妙惟肖来达到此目的，而是要用充满热情的表现方式，也就是说，运用我们对色彩的知识以及对色彩的现代品味，来表达和强化人物。”
1998年，这幅《没胡子的自画像》拍出了7150万美元的高价，成为截至当时历史上最昂贵的自画像。梵高一生画过无数的自画像，完成这些作品并不是件容易的事，还没有哪位艺术家能象他这样在观众面前将自己暴露无遗。透过这些记录，我们深深地了解了一个人的痛苦、恐惧、自我怀疑、精神折磨以及生活中偶尔的快乐。
鲁本斯《对无辜者的屠杀》：4950万英镑
2002年7月10日，十七世纪巴洛克风格天才艺术家鲁本斯的油画作品《对无辜者的屠杀》在伦敦的苏富比拍卖行以4950万英镑售出。这幅《对无辜者的屠杀》是佛兰德斯（欧洲历史地名）画家鲁本斯以圣经故事为题材创作的两幅作品之一（另一幅是上文提及的《殴打婴儿》），前后间隔约25年。
2002年，《对无辜者的屠杀》在伦敦苏富比拍卖行以创记录的4950万英镑（7670万美元）拍出。加拿大商人肯尼斯·汤普森购得此画，并将其捐赠安大略美术馆。
在《对无辜者的屠杀》中，鲁本斯用精湛的画技表现了人类的多种情感：绝望、暴力、悲伤、母爱和残忍。画面上，几近赤裸的士兵在残杀婴儿，母亲们则拼命想要救回自己的骨肉。
画作的中心人物是一个身穿红裙子的妇女，有个老妇人即将被士兵刺中，压在她身上，使她向后倒去。她绝望地用右手抓向另一个士兵的脸，左手勉强握着婴儿。这是为生存而战，这场争夺的赌注是人命。她在用力推开士兵，可以看到，那个士兵抓住了婴儿的襁褓，几乎已经得手。
画面右上角则即将上演另一个悲剧：一个士兵高高举起一个婴儿，准备摔向地面，而地上遍布苍白童尸。士兵的左腿边有个女孩冲着婴儿伸出手臂，想要接住他。
鲁本斯完成《对无辜者的屠杀》一画时，尼德兰正处于为争取独立而起的“八十年战争”中，此画作因而被当作对尼德兰政治和社会形势的一分评述。而在今天，此画作依然可视为反战的忧心之诉。
彼得·保罗·鲁本斯是一位伟大的人文主义画家，即使宗教神话是他创作的主要题材，但他还是以世俗的人物和自然去描绘神界人物，正如法国美术史家丹纳所言：他的作品表面上涂着一层天主教的圣油，而骨子里的风俗、习惯、思想感情，一切都是是异教的。
在鲁本斯的作品中体现出热爱生活，对生活充满美好理想、丰富的想象力，通过艺术形象肯定人的力量和人生的欢乐，他善于运用健康丰满、生机勃勃的形象，洋溢着乐观与热情的性格，去表现自己的审美理想与趣味。
由于鲁本斯所处的上流社会环境，迎合上层贵族的审美要求，所以他笔下的人物，尤其是妇女几乎都是贵妇人，体态胖肥，皮肤细嫩，骚首弄姿，扭捏作态，而男子都是浪荡公子一类，在一定程度上反映了佛兰德斯贵族资产者的追求享乐和骄奢淫逸的生活情趣。
鲁本斯一生创作极为丰盛，作品多具有宏大的场面，强烈的运动感，雄健的造型，富有想象力和戏剧性情节；对比鲜明、响亮饱满的色彩；流动的线条、激动人心的画面艺术效果，给人以一种富丽堂皇、华美火热、欢腾鼓舞的艺术感受。
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塞尚《静物》：6050万美元
《静物》是法国著名画家保罗·塞尚的画作，1999年，塞尚画作《静物》以6050万美元的价格在纽约拍卖成交，让全世界的艺术爱好者有机会观赏到大师的作品，同时也确认了他在世界美术界的地位。
从这幅《静物》中，可以看出塞尚的探索精神和画风特色。在这幅画中，整体关系犹如一张网络，所有物象在网络上各得其所，任何细节和局部似乎都不可随意挪动，否则，整个结构便会失去平衡。
在塞尚的《静物》作品中，苹果常常成为他写生的“静物”，几枚苹果凌乱地放在铺着台布的桌子或者果盘里，是一幅特别有意味的画面。当塞尚的静物苹果出现时，西方美术界为之震惊。
评论家认为，这是一只没有政治，没有所谓思想，没有雄心壮志，不急不躁，不会故作深沉的苹果，它清新芬芳、真实可触，忠实于自己的自然属性，安静而光泽。另外，塞尚画笔下的所有女人，似乎都有着苹果般的气质，她们坐在那里，没有所谓为了前途而疯狂打拼的野心，她们安静到只是一只苹果。
保罗·塞尚，法国着名画家，是后期印象派的主将，从19世纪末便被推崇为“新艺术之父”，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为“现代艺术之父”、“造型之父”或“现代绘画之父”。
塞尚最喜欢表现的题材是静物，不过他也画人物画，他画面上的人物都是当着静物来处理的，人物的身体往往处理成概括的、机械的、纪念碑式的富有几何形概念的形象。而他的静物画常常是用“柱形的、球形的、和角形的”方式去表现。
塞尚对物体体积感的追求和表现，为“立体派”开启了思路；塞尚重视色彩视觉的真实性，其“客观地”观察自然色彩的独特性大大区别于以往的“理智地”或“主观地”观察自然色彩的画家。
毕加索《双臂抱胸的女人》：5560万美元
《双臂抱胸的女人》是西班牙的世界级画家巴勃罗·毕加索在1936年创作的立体主义抽象人物名画，这是一幅布面油画，73cm×60cm，2000年，这幅画在纽约佳士得拍出5560万美元的天价，现为私人收藏。
毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用；而他的才能在于在他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。
毕加索有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
梵高《鸢尾花》：5390万美元
梵高的《鸢尾花》是一幅以植物为主题的油画，71×93cm，创作于他去世的前一年，即1889年5月，当时梵高进了法国圣雷米的一间精神病院，作品在那里画成。《鸢尾花》现收藏在美国加州保罗盖兹美术馆。
《鸢尾花》是梵高到圣雷米之后最早完成的作品之一。画中色彩丰富，线条细致而多变，左边的白花与最右方的浅蓝花相呼应。画家细心安排花朵位置，引导观者视线，整个画面充满律动及和谐之感。
画面中灿烂的蓝紫色鸢尾花十分突出，它的花形恰似一群翩翩起舞的蝴蝶；作者巧妙地将它那郁郁葱葱的粉绿色叶子作了低调的处理与远处的花草一同衬托出了鸢尾花的生动与灵性；再有地上红赤泥土的陪衬打破了画面冷色的调子，使得色彩对比强烈且和谐，并富有律动，色调也极其明亮，这正好体现出他“明亮一些，再明亮一些！”的口号，整幅画面富有活力，洋溢着清新的气息。
鸢尾花的活动区域被放在自右上向下渐倾斜的大片领域内。花朵没有一个整齐的生长方向，每朵花有着自己姿态——却都是一种近似于挣扎的姿态，看起来像是想挣脱某种无形的束缚。这些向四面八方挣动的花朵，在并不明丽的青绿色花叶衬托下，占据了画面的绝大部分。
画作中最为引人注目的，应该是位于画面左侧，那一大朵白色的鸢尾花。不是被众星拱月地包围在其中，而是选择了像个局外人一样，孤单地悄然独开。它离盛开的画面中重要表现的那片蓝紫色鸢尾花，和后面作映衬的万寿菊都有一段距离——孤寂又带有那么一点刻意的避世，这是明显的高更式构图风格，格外醒目。
《鸢尾花》有着幽闭的构图，厚重的色彩，灵活饱满的笔触，和细致敏感的绘画视角。丰硕的蓝紫色花瓣，大面积绿色的尖头长叶向上欲冲，星星点点的黄色花蕊，加上在一旁做衬托的与之一同繁茂生长的万寿菊，还有花丛下砖红色的土壤——形态各异又浑然一体。
细心的人在观赏梵高的作品时会注意到那种“前缩法”构图方式，就是将主要描绘对象突出但控制在一定区域，进而在背景上大作文章，使画面看起来更具纵深感和空间感。并且，圣雷米时期是梵高在着色上的要求最绝对的时期。所谓绝对是指绝对的鲜艳和明快，如要表现红色，那绝对是色感最强烈的红色，要表现绿色，那就是最青翠和浓郁的绿色。
1892年，梵高的朋友唐基以300法郎的价格，将这幅画卖给了评论家奥克塔夫·米尔博。他是梵高作品最早的赏识者之一，这幅画像和许多其他的梵高的画一样，在他死后不断地买卖，并在1988年11月11日的拍卖会上以5390万美元的天价卖出。
毕加索《皮耶瑞特的婚礼》
毕加索的《皮耶瑞特的婚礼》在1989年11月法国巴黎拍卖会上以5167万美元成交，创下了当时毕加索作品的最高价纪录，在此后11年里，毕加索的作品未创新高。
《皮耶瑞特的婚礼》的流传经历颇具传奇色彩。1907年，艺术商人及毕加索的朋友约瑟夫·施聪斯基获得该作，而从1945年一直到1962年，作品为毕加索的儿子Paulo Picasso拥有。
后来，作品转手至瑞士金融家弗雷德里克·诺之手，在他年迈之时，他将作品捐献给了法国政府。1989年11月30日，作品在巴黎Binocheet Godeau拍卖公司出售，买家是日本房地产商、投资银行家和Autopolis跑马场的老板铃木康弘（Tomonori Tsurumaki），他以5167万美元购得这件作品。
然而到了20世纪90年代，随着铃木公司的经营危机，作品落入铃木跑马场修建承包商Hazama公司之手。后来，Hazama又遭遇财政危机，作为抵押贷款，这幅作品成为Lake Credit Company的抵押品，为该公司拥有，之后，公司又以低于原价25％的价格转让。
然而即便是这样的折扣，也没能将这件作品在日本销售出去。Lake Credit Company只得将《皮耶瑞特的婚礼》与其他作品一起出售给GE资本（GE Capital），总价值为2000万美元。目前，这幅高价收购的作品用作银行抵债，世界级的名作如今被束之高阁，保管在三井信托银行的保险箱里。
